La semiótica del color

En la entrada de hoy hablaré sobre la semiótica del color.

En un sentido general,Toda comunicación se da a través de signos y en estos términos, el lenguaje del color es aquél cuyos signos son cromáticos. Los colores son elementos comunicantes o signos: elementos que en la actualidad son de suma importancia para la comunicación de masas, sin olvidar con esto el uso que desde antiguas épocas se ha hecho de ellos en las diferentes religiones, en la magia, la vestimenta, etc.

Pero no podemos hablar de signo sin antes hablar de semiótica: la semiótica, como disciplina que se encuentra en la base del sistema cognitivo humano, permite analizar los elementos de la comunicación audiovisual, la cual no sólo ayuda al estudio de los signos o elementos que integran un mensaje, sino que además establece también una relación entre esos elementos de significación y los procesos culturales.

Por su parte Charles Morris¹, utiliza una concepción triádica del signo:

• La dimensión sintáctica: Donde se consideran las relaciones de los signos entre sí.

• La dimensión semántica: Donde se consideran las relaciones de los signos con los objetos representados.

• La dimensión pragmática: Donde se consideran las relaciones de los signos con los intérpretes.

La perspectiva semiótica provee el más completo marco de herramientas para el estudio del color ya que, para la mayoría de las personas, el aspecto importante es que el color funciona como un sistema de signos; estos signos pueden evocar estados de ánimo, así como guiarnos en nuestra vida diaria, son manifestación de características psicológicas y son una herramienta poderosa a la hora de articular mensajes de comunicación visual, es por eso que conoceremos los diferentes significados que los colores poseen.

Fuentes: 

http://www.proyectacolor.cl

http://poderososcolores.blogspot.com.es/2009/08/semiotica-del-color.html

25/0572013

Friedrich Fröbel

(Friedrich Fröbel o Froebel; Oberweissbach, 1782 - Marienthal, 1852) Pedagogo alemán. Discípulo de Rousseau y de Pestalozzi, estudió sobre todo la educación preescolar. Partiendo del principio de que la naturaleza puede manifestarse sin trabas, fomentó el desarrollo de los niños a través de ejercicios, juegos y cantos al aire libre. En 1837 creó el primer jardín de infancia. Es autor de La educación del hombre (1826). La concepción pedagógica y la actividad educativa de Friedrich Froebel aparecen vinculadas, más que a las innegables inspiraciones románticas, a la corriente ideológica moderna, que juzga al niño como "espontaneidad" y centro del proceso de la educación. Froebel pasó la infancia junto a su padre (un grave y severo pastor protestante) y su poco benévola madrastra. Al cabo de una estancia de cinco años en casa de un tío, empezó a los quince a trabajar con un inspector forestal y se dedicó, como autodidacta y de manera desordenada, al cultivo de varias ciencias: cartografía, matemáticas, botánica, arquitectura, contabilidad y agrimensura. Una de sus obras principales como hemos anunciado es la La educación del hombre. En ella nos vamos a parar para ver que nos quería trasmitir Froebel en magestuosa obra. Fröbel definía su pedagogía, que se inspira en la teoría neohumanista, con las siguientes palabras: “En todo ser reposa, actúa y reina un principio divino, Dios... Todas las cosas existen en virtud de ese principio divino que actúa en ellas y constituye su esencia. El destino y la vocación de todas las cosas es reproducir en sí su esencia, es decir el principio divino, lo divino, y también proclamar y revelar a Dios, en lo externo y a través de lo perecedero. La vocación y el destino específicos del hombre,como ser sensitivo y racional, es traducir su esencia, el principio divino, o sea Dios, y su destino y vocación en conciencia plena, conocimiento vivo y percepción clara, y también ejercitar y proclamar esto en su propia vida con autodeterminación y libertad. Incumbe a la educación estimular y encauzar al hombre como ser consciente, pensante y sensitivo, a fin de que con conciencia y arbitrio plenos reproduzca la ley interior y el principio divino, y además facilitarle los medios de lograrlo”. http://www.ibe.unesco.org/publications/ThinkersPdf/frobels.PDF 25/05/2013

El arte del siglo XX

En la entrada de hoy veremos a grandes rasgos el siglo XX en el arte.

El arte del siglo XX presenta  un  cambio radical con respecto  a  la tradición  artística que  ha  acompañado  al  hombre  desde el Renacimiento. Nuevas teorías,  imágenes, visiones, símbolos  y técnicas  irrumpen en un ciclo histórico y cultural de tremendas convulsiones individuales y colectivas. 

El  individuo del siglo XX es alguien que no puede ya refugiarse en el pasado, está forzado a ir hacía delante en búsqueda de una nueva identidad filosófica, social y cultural.  
Estudiar este arte significa indagar en la nueva imagen del hombre y la mujer, indagar  en la naturaleza de sus sueños utópicos y de sus pesadillas.

Todos esos  hechos  han ido acompañados  y se han visto potenciados  por una transformación profunda en la ciencia, el arte y la cultura. Por una  revolución  que  ha  cambiado  nuestra  vida y nuestra  percepción del mundo. Muchos de esos cambios tuvieron sus primeros desarrollos en el tiempo histórico que contemplamos en este tema.

Movimientos del siglo XX 

Os dejo colgado un vídeo para resumir la esencia del sigo XX:

Consultado 22/05/13

El cubismo. Cézzane

En la entrada de hoy veremos un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914 que nació en Francia: El cubismo

El cubismo es un movimiento artístico que se manifestó sobre todo en la pintura, aunque también se dió en otras artes como la literatura o la escultura. El objetivo principal del cubismo era el de alejarse de la representación naturalista y conseguir plasmar de modo simultáneo sobre la superficie del cuadro un objeto visto desde múltiples ángulos, intentando conseguir una cuarta dimensión.

Alguna de sus principales características son:

- En el cubismo la forma no es una característica definida y fija de los objetos, sono que estos poseen tantas formas como planos tenga el objeto

- las formas figurativas de la naturaleza se reducen a cubos, cilindros, conos o pirámides.

- El color: es el color real del objeto o superficie visto a la luz diurna (la manzana es roja) . Pueden también ser usados tonos de grises y ocres. 

Muchos son los autores que representan este movimiento, pero hay uno en especial al que se le considera el padre de el cubismo: Paul Cézzane

Cézanne era mi maestro, no me limitaba sólo a mirar sus cuadros, pasé años estudiándolos. (...) Era como un padre para nosotros", dijo alguna vez Picasso.


El estilo naturalista y fauvista de Cézanne imprimió una observación auténtica del mundo que lo rodeaba, su obra plantó la semilla del movimiento cubista y reavivó el uso de la paleta de colores de los impresionistas.Su técnica se basaba en dislocar la perspectiva y pintar con pinceladas geométricas que darían lugar a la forma en que pintaban los artistas del cubismo. Las formas geométricas y la perspectiva cónica permitían tomar al ojo humano como el vértice del que salían las líneas para pintar la realidad.

Estas son algunas de sus obras de arte que representan la esencia de este importante movimiento artístico:

El circo del Calder

En la clase de ayer de Educación Artística, hubo un acontecimiento del que me asombré enormemente mientras el profesor explicaba. Es este "circo" realizado por Alexander Calder.

 Alexander Calder fue un genial escultor americano y un apasionado absoluto del circo.

 Su amor empezó en 1925 cuando la National Police Gazetter le encargó las ilustraciones del circo    Ringling Bros. Tiempo después creó su propio espectáculo, fabricando el mismo todos los personajes con materiales como madera, alambre, goma, trapos. Cada uno estaba hecho de una forma para poder cumplir su función y el propio Calder les daba vida y les ponía voz mientras su mujer cambiaba las diferentes melodías. Artistas como Miró, Mondrian, Duchamp, Man Ray y Le Corbusier fueron algunos de sus invitados.

Os dejo  colgado un pequeñó fragmento en ingles del circo del Calder para que os acerquéis de una manera visual a esta obra de arte:

El romanticismo como movimiento cultural y artistico

Hace unos días escribí acerca del arte  del siglo XIX. En la entrada de hoy me voy a centrar en un movimiento cultural propio de aquella época: El Romanticismo como movimiento cultural y artístico

La libetad guiando al pueblo

El Romanticismo, como movimiento cultural, surgió en Europa a finales del siglo XVIII. Tuvo sus orígenes en Alemania y prescindía de las normas y reglas artísticas del Neoclasicismo.

Las características principales del Romanticismo fueron las siguientes:

• Individualismo y subjetivismo, que llevaban al artista a la expresión de sus propios sentimientos.
• Deseo de libertad, que se manifestó en todos los campos de la actividad humana: las ideas, la política, la creación artística...
• Evasión de la realidad: los artistas se inspiraban en países lejanos, en temas sobrenaturales e irreales, como la muerte y el mundo de los sueños.
• Idealismo y, a la vez, pesimismo: el artista sufría porque tendía hacia lo inalcanzable, lo infinito; en algunos casos hasta el suicidio.
• Interés por su propio país: la historia, las leyendas antiguas y los temas relacionados con la Edad Media eran fuente de inspiración.
• Valoración de los personajes marginales y exóticos, que rompían las convenciones sociales, como bandoleros, piratas, vagabundos...
• Culto a la naturaleza, atracción por los paisajes salvajes y agrestes, las tormentas, los escenarios nocturnos, la Luna, etc.

http://www.kalipedia.com/musica/tema/caracteristicas-romanticismo.html

En mi opinión, creo que este movimiento se le puede denominar esencial puesto que ayudo mucho al futuro del arte ya que aportó una serie de elementos claves citados anteriormente, para que hoy en día podamos disfrutar de este magnifico arte.

¿Cómo saber si es arte?

En nuestro espacio de hoy vamos a reflexionar acerca del arte. Hace unos días en clase salio el tema de porque algo es arte y otras cosas no... ¿ En que nos basamos para saber, si algo que tenemos delante, es arte o no lo es?.

La clasificación del arte, o de las distintas facetas o categorías que pueden considerarse artísticas, ha tenido una evolución paralela al concepto mismo de arte: como se ha visto anteriormente, durante la antigüedad clásica se consideraba arte todo tipo de habilidad manual y destreza, de tipo racional y sujeta a reglas mientras que quedaban excluidas la música y poesía. Una de las primeras clasificaciones que se hicieron de las artes fue la de los filósofos sofistas presocráticos, que distinguieron entre “artes útiles” y “artes placenteras”

Después de tantos siglos de evolución, los cambios sociales, culturales y tecnológicos producidos am lo largo de toda la historia, durante los siglos XIX y XX han comportado un nuevo intento de definir el arte con base en parámetros más abiertos, intentando abarcar tanto una definición teórica del arte como una catalogación práctica que incluyese las nuevas formas artísticas que han ido surgiendo en los últimos tiempos.

De esta manera en el siglo XX todavía no esta claro que es exactamente el arte en sí aunque podemos acercarnos hacia ella mediante esta definición clara y objetiva:

El arte es entendido generalmente como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con una finalidad estética o comunicativa, mediante la cual se expresan ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, mediante diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos y sonoros.

http://es.m.wikipedia.org/wiki/Arte#section_2

6/05/2013